Comment réussir dans la musique : 5 choses à faire et à ne pas faire

Nous avons cité des noms comme Beyoncé et Ed Sheeran, et nous pourrions facilement ajouter d'autres artistes à succès commercial à la liste. Si ces figures peuvent certainement constituer une grande source d'inspiration, elles ne définissent pas nécessairement ce à quoi devrait ressembler le succès pour tout le monde. Trouver la gloire, faire fortune et se produire devant des stades pleins est impressionnant, et nous ne prétendons pas qu'il n'est pas important de générer des revenus. Toutefois, ces facteurs ne doivent pas être la motivation première de chaque musicien.ne.s.

Le concept de réussite peut être subjectif et est souvent profondément personnel. Il varie véritablement d'une personne à l'autre, en fonction de ses objectifs, de ses valeurs et de ses passions. Nous pouvons penser que Taylor Swift se considère comme une personne qui a réussi, mais à moins de lui poser directement la question, nous ne le saurons jamais vraiment et notre perception ne sera rien d'autre qu'une supposition. Ce que nous percevons comme une réussite peut ne pas correspondre à son propre sens de l'accomplissement et de la réussite.

Ce qu'il faut retenir, c'est qu'il n'existe pas de route parfaite vers le succès, ni d'image idéale de ce dernier. Ne vous sentez donc pas obligé·e de suivre une voie qui ne correspond pas à votre vision et à vos aspirations, même si vous pensez que c'est ce que vous êtes censé·e faire.

Au contraire, efforcez-vous de définir votre propre version du succès, qu'il s'agisse de vous produire devant un petit public dévoué (qui est absolument fou de vous) ou d'écrire des chansons et de raconter des histoires qui émeuvent profondément votre audience. N'oubliez pas que votre parcours est le vôtre et que c'est ce qui le rend unique.

Être musicien·ne professionnel·le, ce n'est pas seulement créer et sortir de la musique, c'est aussi comprendre l'aspect commercial de l'industrie et savoir s’adapter à un environnement en perpétuel changement.

L’époque où l’on attendait des artistes qu’ils restent dans leur coin et se contentent de faire de la musique est révolue. L'essor des services de streaming et de la scène indépendante a considérablement transformé le secteur, encourageant souvent (voire obligeant) les artistes à jongler avec plusieurs casquettes : marketing, promotion, ou entrepreneuriat créatif par exemple. Prenez Taylor Swift: elle a construit un empire entier autour de sa musique, sa société de production interne (fondée en 2008) s'occupant de tout son travail visuel depuis 2018. Ses stratégies commerciales et marketing innovantes lui ont même valu d'être reconnue par des spécialistes en gestion et en marketing.

Un grand nombre d’acteur·rice·s clés, internes comme externes, influencent l’industrie musicale d’une manière ou d’une autre — des plateformes de streaming comme Spotify aux réseaux sociaux, en passant par l’intelligence artificielle et d’autres avancées technologiques. Ces facteurs influencent la façon dont les artistes sortent, distribuent, commercialisent et même créent de la musique.

Se tenir au courant des tendances du secteur peut sembler insurmontable, mais c'est absolument essentiel pour renforcer votre résilience face aux changements constants de l’industrie, repérer les défis potentiels et saisir des opportunités uniques que vous auriez autrement manquées.

Par ailleurs, les professionnel·le·s de la musique sont plus enclins à se connecter et à collaborer avec celles et ceux qui sont mieux informé·e·s des tendances et des développements actuels du secteur, ce qui fait de la connaissance du milieu un atout précieux pour le réseautage.

La concurrence dans l'industrie musicale est féroce et littéralement perceptible. Les artistes indépendant·e·s ne sont pas seulement en concurrence au sein de leur propre scène, mais aussi avec des musicien·ne·s bénéficiant du soutien des grands labels. Pour être plus compétitif·ve et se démarquer, il est essentiel de savoir comment commercialiser votre musique et votre marque de manière créative, non seulement pour attirer votre public actuel, mais aussi pour élargir votre portée.

Avec les réseaux sociaux et les progrès de la technologie basée sur l'IA, les possibilités de marketing innovant sont infinies. Une sortie surprise, un concert mystère, un événement dans le métavers, des défis viraux sur les réseaux sociaux ou une chasse aux places cachées dans vos visuels : ces idées peuvent pimenter votre stratégie promo. Vous pouvez également vous inspirer de ce que font d'autres musicien·ne·s et artistes et les adapter à votre style unique et aux ressources dont vous disposez.

De notre point de vue, un récent exemple marquant de marketing inventif est la campagne de promotion d'Halsey pour son dernier album, The Great Impersonator, en 2024. Elle a d'abord lancé une chasse au trésor mondiale à travers 5 grandes villes - Londres, LA, New York, Toronto et Sydney - invitant les fans à unir leurs forces et à découvrir différentes pochettes correspondant à 5 capsules temporelles de 5 décennies différentes. Cette opération a été suivie d'un compte à rebours de 18 jours sur les réseaux sociaux avant la sortie de l'album, au cours duquel Halsey a posté quotidiennement des images d'elle se faisant passer pour des figures emblématiques et teasant "un extrait de la chanson qu'elles avaient inspirée."

Il s'agit véritablement d'un moyen remarquable de générer du buzz autour de votre musique et de transformer votre public en participant actif, en le faisant se sentir profondément lié à la musique et à son parcours. En intégrant des récits personnels et des éléments interactifs, les artistes peuvent créer des expériences mémorables qui laissent une impression durable.

Il est tout aussi important de se démarquer sur le plan créatif que de promouvoir sa musique. Tout le monde a un·e ou deux artistes préféré·e·s, et il est tout à fait naturel de rêver de jouer de la guitare, de chanter et d'écrire des chansons comme ces artistes. Malheureusement, la réalité est que vous ne pouvez pas reproduire ce rêve, parce que vous n'êtes tout simplement pas eux. Le bon côté des choses, c'est que vous êtes unique et que vous avez la possibilité de montrer ce qui vous différencie des autres.

Imiter les autres et utiliser leurs astuces et stratégies professionnelles n'est jamais le moyen de connaître un véritable succès dans l'industrie musicale. Le public est souvent capable de percevoir lorsqu’un·e artiste n’est pas pleinement authentique, ce qui peut lui porter préjudice. En réalité, chaque personne est différente et unique à sa manière. Votre individualité - vos compétences, vos passions, vos forces et vos instincts créatifs - est votre plus grand avantage concurrentiel.

Posez-vous la question : Qu'est-ce qui me distingue des autres ? Quelles sont mes compétences ? Quelles sont mes passions ? Quels sont mes points forts ? Quelles sont les expériences et les émotions qui façonnent mon art ? Les réponses à ces questions vous aideront à définir votre son distinct et votre identité artistique. Par exemple, le défunt DJ suédois Avicii était considéré comme exceptionnellement doué pour les émotions, ce qui l'aidait à écrire des mélodies simples mais accrocheuses et émotionnellement convaincantes. Aretha Franklin s'est distinguée par l'étendue de sa voix sur plusieurs octaves et par sa capacité à mélanger et à changer de genre sans effort. Le groupe britannique Kasabian, quant à lui, est loué pour ses compositions solides et cohérentes, son identité sonore unique et ses prestations scéniques électrisantes.

Chaque artiste a quelque chose qui le ou la rend spécial·e. En identifiant et en exploitant vos atouts uniques, vous pourrez non seulement vous faire une place dans l'industrie musicale, mais aussi établir un lien durable et authentique avec votre public.

Se lancer dans une carrière musicale peut s'avérer difficile, surtout au début. Dans ce cas, le fait d'entrer en contact avec une personne expérimentée qui connaît le secteur de fond en comble peut vous aider à faire les bons premiers pas dans le monde de la musique ou vous guider lorsque vous vous sentez bloqué·e.

Il n'y a pas de honte à demander et à accepter l'aide de celles et ceux qui ont plus d'expérience. Un·e mentor peut vous apporter des informations précieuses, une connaissance du secteur et la confiance nécessaire pour faire avancer votre carrière. En fait, même certain·e·s des plus grand·e·s artistes actuel·le·s ont eu des mentor·e·s: Justin Bieber a été introduit aux États-Unis par Usher, et la carrière de Céline Dion a été façonnée et guidée par le producteur René Angélil.

Chez iMusician, nous avons récemment lancé un programme de mentorat dans le secteur de la musique, mettant en relation les artistes avec des expert·e·s de l'industrie qui peuvent fournir des conseils expérimentés à chaque étape de leur parcours. Que vous ayez besoin de support pour la sortie de votre musique, l'organisation de concerts, les campagnes de marketing ou la planification de votre carrière à long terme, nos mentor·e·s spécialisé·e·s peuvent vous aider à relever les défis et à affiner vos stratégies. Vous avez également l’opportunité de recevoir des retours directs sur vos idées et projets, et de gagner en clarté quant à vos prochaines étapes.

Une réflexion approfondie nous a conduits à constater que le réseautage ne présente pratiquement aucun inconvénient. Il est essentiel de nouer des relations au sein de l'industrie musicale pour réussir et s'épanouir dans sa carrière. Des relations solides peuvent :

• Maximiser votre portée et faire découvrir votre musique à de nouveaux publics

• Susciter de nouvelles opportunités créatives et commerciales

• vous aider à affiner vos compétences et à vous développer en tant qu'artiste

• Renforcer votre confiance dans votre parcours professionnel

• Rendre votre parcours musical plus excitant et épanouissant

Le travail en réseau avec d'autres professionnel·le·s de la musique peut déclencher un effet domino aux retombées magiques. Rencontrer les bonnes personnes peut déboucher sur des collaborations, qui peuvent conduire à de nouvelles opportunités, qui peuvent élargir votre audience, qui peuvent ouvrir encore plus de portes et offrir de nouvelles expériences. C'est un cycle continu de croissance et de possibilités.

Prenez l'habitude de vous engager activement auprès des d’autres acteur·rice·s du secteur musical. Assistez à des événements et à des conférences sur la musique, rejoignez des communautés musicales en ligne et hors ligne, ou contactez directement des professionnel·le·s dont le travail correspond à vos intérêts et à votre vision artistique. Les relations que vous nouez aujourd'hui pourraient façonner votre carrière comme vous ne l'auriez jamais imaginé.

Comme nous l'avons précédemment abordé dans notre article sur la façon de gagner de l'argent sur Spotify, les faux streams générés par des procédés automatisés manipulant les chiffres de streaming ne reflètent pas l'engagement réel des auditeur·rice·s. Plus important encore, ils sont considérés comme frauduleux et peuvent entraîner de graves conséquences, y compris le gel des revenus, la suppression de vos sorties et un impact négatif sur vos streams organiques. Si une plateforme de streaming détecte que vous générez de faux streams (en les achetant auprès de services tiers), vous risquez de vous voir infliger des amendes par votre distributeur, voire d'être purement et simplement banni·e de la plateforme.

Internet regorge de services et de sites proposant d'acheter des streams, des likes et des followers artificiels sur diverses plateformes de streaming et de réseaux sociaux. De telles offres peuvent sembler tentantes à première vue, surtout pendant les périodes creuses de votre carrière, lorsque vous avez l'impression de traverser un passage à vide. Cependant, ces raccourcis ne mènent jamais au succès. En fait, ils peuvent faire plus de mal que de bien, en sapant votre crédibilité et en nuisant à votre croissance à long terme.

Avec les avancées technologiques d'aujourd'hui, il est plus que probable que si vous utilisez des pratiques illégales et illégitimes, vous vous ferez prendre ! Ainsi, au lieu de risquer votre carrière, investissez du temps et de l'argent dans des stratégies éthiques et éprouvées pour promouvoir votre musique, développer une véritable communauté de fans fidèles et vous engager avec des personnes qui soutiennent vraiment votre parcours.

L'idée de sortir un morceau et de le voir décoller organiquement est belle - mais, malheureusement, quelque peu irréaliste. Cela ne signifie pas que votre chanson n'est pas bonne et que vous devez la rendre plus commerciale ou la dénaturer pour attirer le public, mais avec plus de 120 000 pistes sorties chaque jour sur Spotify (en date de 2023), il ne suffit pas d'avoir de la bonne musique pour se démarquer et sortir du lot.

Nous regrettons de vous le dire, mais terminer votre morceau et l'uploader pour la sortie n'est que le début de votre périple. La triste vérité est que c'est souvent la partie suivante qui peut faire une réelle différence et déterminer si votre chanson gagne en popularité ou se perd dans la foule. Pour construire un succès durable, vous devez promouvoir activement votre musique. Cela inclut :

• Créer un bon site web d'artiste

• Envoyer des newsletters pour attirer l'attention de votre public

• Être présent·e sur les réseaux sociaux

• Contacter les curateur·ice·s de playlists et obtenir des placements de playlists.

• Diffuser des publicités sur YouTube, Google, Meta et d'autres plateformes

Il peut être difficile de se mettre en avant et d'essayer d'encourager les gens à écouter votre musique, et qui plus est, cela peut sembler inconfortable au début, mais laisser votre morceau se débrouiller tout seul peut sérieusement limiter son potentiel. Considérez plutôt le marketing comme un prolongement de votre art, un effort pour donner à votre musique la meilleure chance de briller et d'entrer en contact avec le public qui l'apprécie vraiment.

Nous avons récemment abordé l'importance d'identifier votre "pourquoi" dans notre article sur le démarrage de votre parcours musical au cours de la nouvelle année. Dans cet article, nous avons décrit le pourquoi comme la raison principale pour laquelle vous créez et continuez à faire de la musique, l'objectif profond qui alimente votre parcours musical, en particulier lorsque des défis se présentent.

Sans raison précise, vous risquez de ne compter que sur la motivation. Or, comme nous le savons tous, la motivation peut être capricieuse, allant et venant à sa guise. Même le fait de se fixer des objectifs n'est pas toujours suffisant : ils peuvent changer ou perdre leur caractère urgent au fil du temps. Un "pourquoi" fort, en revanche, peut apporter de la stabilité et vous aider à rester concentré·e et engagé·e, même lorsque les doutes et les défis se font sentir.

Le fait de connaître et de comprendre votre raison d'être peut renforcer votre confiance en vous, favoriser la cohérence de votre parcours et vous permettre de rester motivé·e, en particulier dans les moments difficiles, lorsque vous vous sentez découragé·e ou momentanément bloqué·e et que vous pensez un instant qu'il n'y a pas d'issue.

Prenez le temps de définir votre raison d'être, écrivez-la et revenez-y chaque fois que vous avez besoin de vous rappeler ce qui vous motive. Elle vous servira de pilier et vous permettra de garder les pieds sur terre et d'être déterminé·e, quelle que soit la direction que prendra votre parcours musical.

Nous avons parlé de motivation ; parlons maintenant de cohérence. S'il est une chose qui peut avoir un impact significatif sur votre réussite dans l'industrie musicale, c'est bien le maintien de la cohérence dans tous les domaines de votre carrière et de votre création. Même si le public adore votre musique, il peut facilement vous oublier ou se désintéresser de vous s'il n'entend pas parler de vous pendant un certain temps. Bien entendu, cela ne vous empêche pas de prendre des pauses bien méritées ou de passer plus de temps à perfectionner votre travail, mais il est important de rappeler à vos fans que vous êtes toujours là, en train de créer et d'évoluer.

Les réseaux sociaux peuvent être un outil puissant pour vous aider à rester activement connecté·e avec votre public, à approfondir vos relations et à développer votre base de fans. Cependant, il ne suffit pas de créer des publications aléatoires : vous devez partager en permanence un contenu réellement attrayant qui suscite de l'intérêt. Dans le cas contraire, cela risque de détourner l’attention de vos followers, de les ennuyer, voire de faire qu’ils se désabonnent.

La cohérence ne se reflète pas seulement dans la quantité et la fréquence de vos sorties musicales ou de vos publications sur les réseaux sociaux. Elle est également représentée dans la façon dont vous présentez et commercialisez votre marque d'artiste. L'absence de stratégie claire et la création d'un contenu dispersé et de faible qualité peuvent être tout aussi préjudiciables qu'une présence incohérente. La mise en place d’une stratégie cohérente autour de vos visuels, de votre discours et de votre identité artistique globale garantit la cohérence de votre image de marque et favorise une véritable connexion avec votre public.

Un grand nombre d’artistes pensent que l'originalité est la clé pour se démarquer. Bien qu’il soit important de rester fidèle à son style personnel et à sa sonorité unique, rechercher l’originalité à tout prix ne garantit pas forcément le succès, ni sa longévité.

Dans le paysage technologique actuel, en particulier avec le développement de l'IA, presque tout peut être reproduit. On entend parfois que la technologie a retiré une partie de la magie dans la création musicale. Pourtant, les outils actuels permettent non seulement de simplifier des processus techniques complexes, mais aussi d’explorer des horizons créatifs inédits.

L'idée d'originalité dans la musique est plus complexe qu'il n'y paraît. Alors que vous y voyez peut-être l'ingrédient secret de votre travail, de nombreux·ses professionnel·le·s expérimenté·e·s de l'industrie - responsables artistique, producteur·rice·s et même labels - ne la recherchent pas nécessairement. En réalité, le public ne veut pas toujours entendre quelque chose d'entièrement nouveau et d'original, mais plutôt des sons familiers.

Même dans le passé, la musique n'était pas aussi originale qu'on veut bien le croire, avec d'innombrables exemples de plagiat et de litiges liés à la violation du droit d'auteur. Ce qu'il faut retenir de tout cela ? Au lieu d'être obsédé·e par la différence et l'originalité, concentrez-vous sur la création d'une musique de haute qualité que vous aimez vraiment et avec laquelle vous êtes en résonance. L'authenticité et la passion vous mèneront probablement beaucoup plus loin dans votre carrière qu'une originalité forcée.